Los cortos de animación de los Goya 2012

Los habituales desde hace tiempo a la Trébede conocéis mi debilidad por los cortometrajes, en especial por los de animación, y como cada año no quiero faltar a mi cita con los nominados a mejor cortometraje de animación en los premios Goya. ¿Cuál es tu favorito?

- Birdboy

Cortometraje de Pedro Rivero (Bilbao, 1969) y Alberto Vázquez (A Coruña, 1980), "BirdBoy", que transporta al espectador a un cuento de hadas que pronto degenera en un mundo sórdido y oscuro devastado por la contaminación. La trama, sumerge al público en una antítesis de la fábula tradicional plagada de represión, autoritarismo, adicciones, pero no por ello desprovista del amor puro de dos adolescentes desarraigados: un chico - pájaro que no sabe volar y una cándida ratoncita.

- Ella

"Ella" es un cortometraje realizado por la Unidad de Animación y Tecnologías Audiovisuales LADAT de la Universidad de las Islas Baleares dirigido por Juan Montes de Oca.
Ella es un film de animación en tres dimensiones escrito y dirigido por Juan Montes de Oca y producido por la Unidad de Animación y Tecnologías Audiovisuales de la Universitat de les Illes Balears, (LADAT), de la cual Juan Montes de Oca es también el director. Se trata de una historia de amor situada al centro monumental de Palma y en la ciudad de Nueva York.
El cortometraje, de 19 minutos de duración, ha sido realizado por el equipo del LADAT con los avances técnicos de animación audiovisual en tres dimensiones. El LADAT es un centro de formación, investigación, innovación y creación audiovisual por animación que ha obtenido, a lo largo de sus 23 años de existencia, importantes reconocimientos internacionales.

- Rosa

En un futuro cercano, la humanidad ha desaparecido dejando tras de si una enorme megalópolis desprovista de vida natural. De entre la destrucción despierta ROSA, un robot parte del proyecto KERNEL, el último intento de la raza humana de restaurar el ecosistema terrestre recuperando especies de plantas ya extintas.

Vagando entre las ruinas de la ciudad sin vida, Rosa pronto descubrirá que no es la única parte de Kernel que ha despertado. ROSA es un cortometraje independiente creado en su totalidad por Jesús Orellana sin presupuesto. Desde Enero de 2010 a Febrero de 2011 completó los 323 planos que componen los 9'50" minutos del espectacular cortometraje animado en CG.

El cortometraje de animación Rosa con gran éxito en Power Chanel TV del español Jesús Orellana. Ha sido finalista de los premios Goya como mejor cortometraje de animación español.

 

- Quién aguanta más 

Desgraciadamente no lo he encontrado por ningún lado para poder insertarlo aquí, si alguien lo encuentra, que por favor me avise. 

Un peligroso juego infantil trastocará la vida de Ander y de su familia para siempre. Gregorio Muro San Sebastián, 1954. Autor de cómics, guionista y director de cine y TV. Tras varios años publicando sus obras principalmente en Francia, se inicia en el mundo audiovisual como guionista del largometraje de animación La leyenda del viento del Norte (1992). A partir de entonces colabora como guionista en numerosas producciones y como director en el largometraje El rey de la granja y en los cortos Tras los visillos, Perros de presa y Zeinek gehiago iraun.

- Yaku

Y como Bonus-track un corto que fue preseleccionado pero que no ha llegado a ser finalista, aunque bien lo mereciera:

¿Cuál es tu favorito?

Agua, fiordos, Noruega

Da al play, activa el HD del video, deja cargar este un poco, ponlo a pantalla completa, sube el volumen de los altavoces. Ya puedes disfrutar de este maravilloso time-lapse.

Has disfrutado de The water, obra del fotógrafo noruego Terje Sorgjerd. En él se mezcla la melodía Moonlight Sonata de Beethoven (interpretada por la japonesa Marika Takeuchi.) con la belleza de las imágenes recogidas en los fiordos noruegos que rodó durante el mes de Agosto de 2011. Esta es la versión corta, ya que está trabajando en el estudio en lo que será la edición DVD con una duración de 60 minutos.

Los cortos de animación de los Goya 2011

El próximo 13 de febrero se entregan los premios Goya, máximas distinciones otrogadas por la Academia de cine española. Este año en las principales categorías Película, dirección, y actores principales salen como favoritas Balada triste de trompeta de Alex de la Iglesia y También la lluvia de Icíar Bollaín.

Fuera de los principales premios, los que acaparan toda la atención hay otras categorías menores, pero con un derroche de trabajo, ingenio e imaginación de sus productores que no merecen ser pasadas por alto. Entre estas categorías mi favorita es la de mejor corto de animación, y como el año pasado, voy a mostrar todos los nominados de esta edición. En un mes, uno de estos 4 cortometrajes de animación contará con la máxima distinción del cine español: Exlibris, La bruxa, La torre del tiempo y Vicenta.

Exlibris:

• Título original:Exlibris
• Nacionalidad:Española
• Producción: Clara Trénor Colomer (Clara Trénor Colomer)

"Exlibris" es un cortometraje de animación experimental que rinde homenaje a los libros, al placer de leer y a una de las obras literarias más fascinantes que se hayan escrito jamás.

short film teaser EXLIBRIS by Maria Trenor from lacomida visuals on Vimeo.

 Vicenta:

• Título original:Vicenta
• Nacionalidad:Española
• Producción: Conflictivos Productions (Samuel Ortí Martí), Ignacio Benedeti Cinema, S.L. (Xose Zapata)

Cuando Alfredo muere sin revelar a su esposa el escondite de la fabulosa fortuna que ganaron a la lotería, Vicenta buscara en todas partes hasta asumir que la única manera de saber dónde está es preguntándole a su difunto esposo. Devolver a la vida a los muertos nunca ha sido tarea fácil y mucho menos a una viuda entrada en años, pero con la ayuda de su retrasado sobrino Vicente, haciendo las veces de Igor, todo es posible. Sin embargo no será la única que persiga hacerse con tan suculento botín.

La bruxa:

• Título original:La bruxa
• Nacionalidad:Española
• Producción: La Fiesta PC (Nicolás Matji)

Una vieja bruja busca a su príncipe azul desesperádamente.

LA BRUXA from lafiestapc on Vimeo.

La torre del tiempo:

• Título original:La torre del tiempo (The Tower of Time )
• Nacionalidad:Española
• Producción: Quirós Animation, S.l (José Luis Quirós)

Todas las noches, en una fría sala de hospital, el tiempo se detiene para Nora, saltando a otro tiempo en un mundo de Fantasía. Acompañada por Null, un gigantesco gorila, tendrán que emprender un peligroso viaje hacia otra dimensión para encontar su destino. Será su última esperanza de continuar viviendo.

 

No he podido encontrarlo entero y este es el trailer. Se supone que se puede ver en la página oficial, pero yo no lo consigo.

¿Vuestro favorito? El mío sin duda, Exlibris; quiizás la temática me atrae demasiado,

Slapstick golf: El golf a través de los mejores cómicos del cine mudo

Imagina una película de cine mudo; del gran cine cómico por antonomasia, en la que pudieses unir a los mejores actores humorísticos de toda la historia del cine no sonoro. Seguro que en ese reparto has incluido a los más grandes de todos los tiempos: Charles Chaplin, Buster Keaton, Laurel y Hardy, Fatty Arbuckle, y Larry Semon. Esa película ya está hecha. Es un cortometraje de 8:28 minutos en el que cada uno de ellos aporta su habitual estilo para conformar una hilarante historia de aprendizaje en el golf.

Todo este montaje, con recortes de unas cuántas películas es obra del artista Dizzy Daniels, enamorado del cine mudo clásico y con varias obras como la presente en su haber, en la que se guarda para sí un pequeño papel dentro del corto.

Seguro que a nadie le puede resultar aburrido así el golf. 

*Tengo que dar muchas gracias a Óscar García, editor de Crónica Golf, quién me advirtió de un tremendo error que iba a haber cometido en este artículo. Si te gusta el golf, quieres estar actualizado con toda la información sobre este deporte, o quieres aprender muchas curiosidades y anécdotas sobre el deporte de los 18 hoyos, Crónica Golf es el mejor portal que podrás encontrar. Gracias otra vez, Óscar.

Charabia, la única vez que oímos a Charlot en el cine

Con el estreno en 1936 de Tiempos Modernos, Charles Chaplin decidió que esa sería la última vez que se vería en pantalla a su gran personaje Charlot; el que le había dado la inmensa fama que tenía en esas fechas y que a la postre se ha convertido en uno de los grandes iconos del S.XX. Aunque vuelve a aparecer en películas como Candilejas o El gran Dictador, ya no es el vagabundo que, pese a todas sus penurias, siempre sale adelante con una sonrisa en los labios de todos sus anteriores trabajos. Por ejemplo en el Gran Dictador es barbero. Desde 1929 en Hollywood la mayor parte de la producción cinematográfica ya era cine sonoro. Chaplin, quien había creado y desarrollado en más de 70 películas a un Charlot sin sonidos, no quería que este hablase, su lugar era el cine mudo. El cine sonoro debía estar reservado para nuevos personajes. Sin embargo, no quiso dejar de hacer un guiño a este nuevo cine que acabaría por copar todos los estrenos haciendo que pudiésemos escuchar por primera y única vez la voz de Charlot en una película. El resultado fue la magistral pieza musical Charabia.

Con Tiempos modernos Chaplin intentó, con gran acierto, realizar tanto una crítica al llamado sueño americano como una alegoría a un optimismo necesario para enfrentar los duros tiempos en que estaba sumida la sociedad americana (no hay que olvidar que en esos años EE.UU. estaba en su Gran Depresión). Esta película tiene innumerables escenas que han pasado al imaginario colectivo como iconos del cine en el S.XX. ¿Quién no tiene en mente a Charlot apretando tornillos sin poder comer la sopa en la cadena de montaje? ¿Quién no ha visto al vagabundo intentando salir de la tripas del capitalismo cuando este le engulle en forma de engranajes de maquinaria pesada? ¿Quién no ha acompañado a Chaplin en su despedida caminando junto a Goddard por una carretera sin fin mientras le arranca una sonrisa aún en los tiempos duros (de hecho esta escena es conocida como Smile, sonrisa)?

El tremendo talento de Chaplin hizo que la única vez que a Charlot se le oía en el cine también haya supuesto uno de los momentos más recordados de la película. No quiso que este hablara, pero si que cantara. El talento no dependía de la llegada del sonido al cine. En esta secuencia de la película, Charlot trabaja de camarero en un restaurante con animación musical. Como no puede ser de otra forma, su habilidad como camarero está muy lejos de la que su jefe demanda de él, y le encarga realizar la animación del comedor. Tiene que hacer un número musical con una letra que le enseña su compañera, el personaje interpretado por Paulette Goddard (tercera esposa del director en la vida real). Viendo que The Tramp (nombre del personaje en esta película) no consigue aprenderla, le da escrita en un papel la letra. Charlot lo guarda en una de sus mangas para leerlo durante la actuación. Cuando va a empezar la actuación al salir él al centro de la sala, se da cuenta que ha perdido el papel, por lo que sólo le queda una salida: improvisar.

Estos versos que siguen son las primeras y únicas palabra pronunciadas por Charlot en una película. Charabia, como así es conocida esta pieza musical sin sentido, con mezcla de varios idiomas, francés, italiano e inglés entre otros, y con el añadido de muchas palabras inventadas e inexistentes en ningún idioma. A este tipo de composiciones en los que se habla como suena el habla, pero no tiene ningún tipo de sentido ni traducción se les denomina Gibberish

Se Bella ciu satore
Je notre so cafore
Je notre si cavore
Je le tu le tu le twa


La spinach or la tuko
Gigeretto toto torlo
E rusho spagaletto
Je le tu le tu le twa
La der la ser pawnbroker
Lusern seprer how mucher
E ses confees a potcha
Ponka walla ponka waa,
Señora ce le tima
Voulez-vous le taximetre
Le jonta tu la zita
Je le tu le tu le twaa.

La canción, según reconoció posteriormente Chaplin es una versión totalmente libre de Je cherche aprés Titine, canción que popularizó Lèo Daniderff.

El bueno, el feo, el malo... y el que voló el puente dos veces

El cine es, sin lugar a dudas un arte colaborativo. Las películas pueden ser llevadas a cabo con mayor o menor escasez de medios, pero incluso éstas requieren de la coordinación de varios grupos de trabajo simultáneos y distintos. Muchas veces esa coordinación, por su falta, lleva a que ocurran accidentes; uno de los más costosos de la historia del cine, y quizás el más costoso de todos los que han ocurrido en películas rodadas en España fue el que acaeció en 1966 en el rodaje de El bueno, el feo y el malo, dirigida Por Sergio Leone y protagonizada por Clint Eastwood, Eli Wallach y Lee Van Cleef. Sin duda es uno de los títulos más emblemáticos tanto de  los actores como del director y una de las referencias en lo que posteriormente ha sido conocido como Spaghetti Western. La película también ha pasado a la historia por la excelente banda sonora de Ennio Morricone, cuyo tema central El éxtasis del oro está siempre en los primeros puestos de las mejores B.S.O. de la historia. ¿Quién no recuerda este pasaje de la banda sonora? Quizás más conocido que la propia película

Uno de los carteles de la película

La película fue principalmente rodada en España, entre los desiertos de Almería y varias localizaciones en Burgos, en las inmediaciones de Salas de los Infantes y la Sierra de la Demanda, corazón del Valle del Arlanza. En ella participaron más de 1500 extras españoles, entre militares profesionales y vecinos de las localidades cercanas. No cobraban nada por esta participación, pero se remuneraba con 500 pesetas de entonces a los extras que se  presentasen voluntarios en las escenas más arriesgadas del film. Saltos desde caballos, si se lanzaban desde un puente al río, caídas por terraplenes....

Momento de un descanso del rodaje del rodaje

La trama gira en torno a tres pistoleros que buscan un tesoro durante la guerra civil estadounidense. Uno de las más importantes pasajes reside en la intención de volar el Puente de Langstone sobre el Rio Grande (se llegó a represar el río Arlanza para que subiese su caudal y se pareciese más al original). Para la escena, los ingenieros zapadores del ejército español levantaron un puente de madera. En este puente suceden varios pasajes de la película, pero su misión principal, era su voladura en uno de los episodios claves del film.

Trailer de la película

En cualquier largometraje, las escenas con explosiones, voladuras, destrucciones en las que interviene explosivos suelen ser las más costosas. La creación de lo que hay que explotar, y el riesgo de reconstrucción si la toma no sale bien, con el coste que conlleva, hace que sean minuciosamente cuidadas  para evitar posibles sobrecostes altos de la producción.

Puente construido

Cuando todo el equipo estaba preparado para el rodaje de la escena donde se debía volar el puente, a la espera de la señal de Sergio Leone, sucedió el primero de los infortunios. La orden convenida era: ¡Vai! (¡Vamos!) pronunciada por el director a través de un walkie-talkie y en ese momento el capitán de los ingenieros militares españoles que había construido el puente tendría el honor de apretar el detonador que reduciría a escombros el puente en el que había colocadas suficientes cargas de dinamita. Pero momentos antes de la señal del director, por el mismo canal de radio uno de los ayudantes de la película, dirigiéndose a otro de los miembros del equipo, ajenos a la voladura del puente, le dijo ¡Vai! ¡Vai! refiriéndose a un asunto que llevaban ellos dos en el rodaje. El capitán español, no distinguiendo la voz de la de Sergio Leone, obedeció inmediatamente y pulsó el detonador.

Momento de la voladura del puente en la película

El puente fue destruido inmediatamente tras la detonación, pero no había ninguna cámara rodando la explosión, segundo de los infortunios, por lo que ninguna imagen de esta accidental voladura pudo ser utilizada en el montaje final. Para fortuna del productor de la película (Alberto Grimaldi) en ese momento no había nadie sobre el puente ni las inmediaciones, por lo que no hubo que lamentar daños personales. El miembro del equipo que pronunció las palabras que no debería haber pronunciado, fue fulminantemente despedido por un furioso Sergio Leone.

El capitán español, avergonzado por su error al confundir las voces se comprometió a reconstruir un puente idéntico al destruido, para lo que se valdría de las imágenes ya rodadas en su intención de una recreación perfecta. La reconstrucción del puente se llevó a cabo en tiempo récord mientras se rodaban otras escenas de la película. El militar español sólo puso una condición para levantar el puente de manera totalmente gratuita. Se debía readmitir en el rodaje al miembro que dio la no intencionada orden. Se accedió a la petición y finalmente el puente se reconstruyó. La  escena pudo ser llevada a cabo sin problemas y con la ejecución que podemos ver en la película.

Visita a los lugares donde se rodó la película, tal como están a día de hoy

Como curiosidad añadida, Clint Eastwood sólo aprendió a decir una palabra en español durante este rodaje. Varios de los extras de la película, en los compases de espera de esta entre escena y escena, se dedicaron a coger cangrejos del Arlanza, para después preparar varias cazuelas de cangrejos con tomate y ofrecérselas a todo el equipo. Gran parte de los miembros americanos del rodaje, entre ellos Eastwood, no los habían probado nunca y quedaron encantados con el manjar. Clint Eastwood, todos los día en el rodaje sonreía, señalaba el río y decía ¡¡cangrejos!!

"Es bueno saber que en algún lugar del mundo, llueva o truene, hay un plato de sopa esperándote".

Fuente: Libro: Anecdotario del cine

[Cine] Buried, Enterrado

Por primera vez voy a recomendar no ver una película en sala de cine, en pantalla grande, aunque la recomiende encarecidamente. No verla en ninguna sala llena de espectadores, de sonidos aunque sean mínimos, de gente susurrando, de ruido de palomitas y bebidas, de luces de salidas de emergencia o de las simples luces pequeñas de las escaleras. Esta película hay que disfrutarla en casa, en el cuarto más angosto que tengamos, con la máxima oscuridad y silencio que sea posible.Sólo así, creo que se conseguirá entender todo lo que quiere transmitir Rodrigo Cortés en este infravalorado, según mi opinión, film.

Hay que verla según he descrito antes para sentir toda la incomodidad, claustrofobia, asfixia, angustia, ahogo y demás sensaciones que podamos tener al imaginarnos encerrados y enterrados en una caja angosta y estrecha de madera. Al salir de ese cuarto, al encender la luz y abrir las ventanas, sentiremos el tan necesario soplo de aire fresco tras 95 minutos de intensas emociones.

En sí la película es un buen soplo de aire fresco dentro de una cartelera actual donde priman grandiosos efectos especiales que intentan disimular, envolver, disfrazar una alarmante falta de imaginación en los guiones de la mayoría de las películas que se hacen hoy en día. Hacen falta más películas como esta; que innoven, que sean algo nuevo dentro del común actual y además manteniendo la calidad de las grandes cintas. Aquí tenemos un cineasta que nos priva de todo efecto especial, de toda la post-producción, y montaje en busca del efecto fácil. Rodrigo Cortés nos despoja de todo lo anteriormente mencionado y nos mete en una angosta caja de madera de apenas un metro cúbico. Sólo nos provee de una linterna, un teléfono móvil y un mechero, para contarnos una historia que si no fuese por esta innovadora forma de contarla sería una más de las que nos han contado tantas veces. Aquí en la mayor parte del metraje somos los absolutos protagonistas de la historia.

El director y el guionista Chris Sparling nos hacen imaginar, no nos dan todo mascado y remascado como se hace tanto ahora. Nos obligan a imaginar las caras de los que están al otro lado del teléfono, tenemos que crear nosotros el paisaje exterior, a su familia, a sus compañeros de trabajo, los azares que han llevado ahí abajo al protagonista Paul Conroy perfectamente interpretado por Ryan Reynolds (sí, yo también le tengo envidia por ser el novio de Scarlett Johansson). Lo único que podemos sentir sin tener que echar mano de la imaginación son los sonidos (de ahí la importancia de estar lejos de cualquier compañía al verla) siendo estos la parte más lograda de la película.

Resumiendo, por fin nos encontramos una película que vuelve a demostrar que para hacer buen cine lo más importante desde la invención de este sigue siendo una buena idea; una buena idea y una buena ejecución de esta sin necesidad de alardes visuales innecesarios, sin necesidad de presupuestos astronómicos.

P.D. Muy recomendables también los títulos de crédito iniciales, que aparte de contarnos la historia del secuestro, son de una factura clásica digna de tener en cuenta, y que posiblemente sean copiados en muchos films a partir de ahora.

[Cine] Origen, Inception

Cuando te consideras cinéfilo en ciernes, al menos por el número de películas vistas, y entras al cine con las más altas expectativas con las que hayas ido nunca, si al salir de él, sales satisfecho, solo puede tratarse de una cosa: la película es una obra maestra. Inception es una obra maestra; Origen es una película maestra.

No hay escenario más complicado que la mente humana. Y dentro de esta, no hay parte más inaccesible que los sueños, el subconsciente, allí donde residen sentimientos básicos e ideas. Sólo una obra maestra de la ciencia ficción (en la que he vuelto a creer tras ver esta película, tras mi desencanto con las últimas), podía adentrarse como hace en un espectáculo tan soberbio y alucinante.

Inception (me parece mala la traducción que han hecho al castellano)  es un enorme juego de muñecas rusas talladas con asombrosa precisión. No hay fallo posible, el mínimo error podría tener consecuencias catastróficas para todo el engranaje, cualquier fallo haría venirse abajo la estructura.  Un mecanismo perfectamente engranado que hace que todos los niveles narrativos presentes en la película se superpongan con increíble precisión; no hay nada al azar, está controlado cada mínimo detalle de la trama, incluso los más superfluos. Todo ello consigue, por fin en un año mediocre para el cine, que tengamos una película consistente, robusta, sin flancos débiles.

No entiendo a los que me dicen que no han entendido la trama. A poco que se ponga atención, es fácil de seguir (pero claro, a quien esté acostumbrado a ver todo lo que hay en cartelera en estos momentos le costará) y nos lleva a un espectáculo visual y narrativo como pocas veces se ha podido conjuntar de forma tan convincente. Inception no es sólo una fascinante floritura narrativa, sino que además tiene el ritmo y la adrenalina del caballero oscuro. Porque Nolan vuelve a jugar aquí con los resortes de la memoria y el sueño, y de cómo una afecta al otro de forma inevitable.

Me gustaría explayarme mucho más pero me repetiría hasta la saciedad con loas hacia ella y hacia una extraordinaria banda sonora que mantiene el ritmo narrativo en todo lo alto durante todo el metraje. Por ponerla un pero, Nolan peca de una excesiva explicación de los mecanismos de la mente a través de las palabras de los protagonistas.

Para los que ya la hayan visto y tras el final se queden preguntando lo que todos nos preguntamos segundos después de este. Creo tener la respuesta y estoy seguro de ella. Si alguien la quiere, por cualquier mensaje privado la comentamos.

El conquistador de Mongolia: la película que costó la vida a 91 personas

Cuando se habla de películas malditas enseguida vienen a la mente títulos como Poltergeist, La semilla del diablo, El exorcista o El cuervo ( varias razones aquí)  pero sin lugar a duda, El conquistador de Mongolia debe figurar en la cabeza de esta lista, ya que a este film se le asocian 91 muertes de entre las más o menos 220 personas que integraban el equipo de rodaje.

A principios de 1950 el presidente de EE.UU Harry Truman dio vía libre a la fabricación de la primera bomba de hidrógeno de la historia. Un par de años después se realizarían las primeras pruebas de esta en el pacífico, en concreto en el atolón Eniwetok. 

Poco después empezaron las pruebas en suelo estadounidense, lo que llevó a la población a temer por su seguridad ante la posible radiación. La Comisión de energía atómica rápidamente tranquilizó a los ciudadanos ya que según ellos se habían tomado todas las medidas de seguridad necesarias y que por lo tanto las pruebas continuarían. La mayor parte de estas pruebas serían llevadas a cabo en Nevada, en concreto en el centro nuclear Yucca Flat.
En 1954, un año después de varias de estas pruebas y a 220 kilómetros, en St. George comenzaba con la producción de Howard Hughes y bajo la dirección de Dick Powell el más caro proyecto hasta la fecha de la RKO. El conquistador de Mongolia, con la gran estrella del momento John Wayne en el estelar papel de Ghengis Kan. El reparto y el equipo de filmación vivieron semanas difíciles en el lugar, del cual Hughes posteriormente enviaría 60 toneladas de tierra a un estudio, para completar la filmación. Pero la película fue un estrepitoso fracaso tanto de crítica como de público ya que por ejemplo Wayne fue galardonado con el Golden Turkey Award a la peor actuación del año. Pero estos malos resultados del film no fue lo peor que trajo este.

25 años después del estreno de la película volvió a las portadas de los periódicos, ya que, tras la publicación por parte de Le Point de un estudio en el que se relacionaba la filmación en Nevada con los numerosos casos de cáncer de los integrantes, fueron muchos los que se interesaron por qué podía haber pasado e intentar contrastar todos los datos. De todos los participantes en el rodaje habían contraído cáncer 91 y hasta ese año habían muerto por este motivo 46 de ellos. También se indicaba en la publicación que los productores eran conscientes de la realización de esas pruebas ya que el mismo John Wayne posó con un contador Geiger. Aunque los datos en aquella época que relacionasen la exposición a radiación con el cáncer eran bastante escasos.

Dick Powell, Pedro Armendáriz, Thomas Gómez, Agnes Moorehead, Susan Hayward, John Wayne... son varios de los nombres más conocidos participantes en la cinta que fallecieron a causa de diversos tipos de cáncer en los primeros años después del rodaje. Aparte de los que intervinieron en el rodaje directamente, el hijo Michael de John Wayne, el hermano de este Patrick, o el hijo de Hayward desarrollaron también diversos tipos de cáncer. Todos ellos estuvieron presentes varios días en la filmación. Desde entonces pocos estudios se han realizado sobre esta cuestión, ni han salido a la luz nuevas listas de muertes o enfermos relacionados con él.

El doctor Roberto Pendleton, experto en diversas formas de cáncer de la Universidad de Utah concluyó:

«Con estos números este caso podría ser calificado como una epidemia. La conexión entre la radiación por lluvia radioactiva y cáncer en casos individuales ha sido prácticamente imposible de demostrar concluyentemente. Pero en un grupo de este tamaño la expectativa sería de 30 individuos con posibilidad de desarrollar alguna forma de cancer... Creo en referencia a la exposición de reparto y equipo fílmico en la filmación de "The Conqueror"

Después del fracaso de la película, Howard Hughes se retiró del mundo cinematográfico y vendió su productora RKO Pictures. Un año después de vender la productora, Hughes volvió a comprar El conquistador de Mongolia y se la guardó para impedir su exhibición tanto en cine como en televisión aunque tras su muerte, 17 años después, fue recuperada para su difusión en todas las televisiones tras la compra de esta por Universal Pictures.

Más información y fuentes 1, 2, 3, 4, 5

Escenas cómicas de las matemáticas

Las matemáticas han sido muchas veces utilizadas como medio o como fondo en el cine (Ágora, El indomable Will Hunting, Una mente maravillosa, Pi, fe en el caos...), pero quizás pocas veces con tanto humor como en los siguientes extractos de películas:

Aunque ambos están en inglés y sin subtitular son muy fáciles de seguir:

Que alguien les intente convencer que 25 entre 5 no son 14 o que 13 por 7 no es 28, ¡Imposible!

El primero de ellos corresponde a la película de gran éxito en EE.UU: Ma & Pa Kettle, la segunda no he sido capaz de encontrar en que película sale esta escena, si alguien la reconoce le estaría muy agradecido me lo indicase. Me indica Jesús en uno de los comentarios que puede ser un sketch de The Bud Abbott and Costello Show, que también hicieron en la película In the Navy. Gracias Jesús.

Esta entrada forma parte, como viene siendo habitual en la trébede, del carnaval de matemáticas, que en esta quinta edición organiza el blog ciencia.

Todo tiene sentido: Soy uno mas de Perdidos

Hay dos tipos de cinéfilos, de seguidores de series de televisión, de lectores. A los que les gusta las obras de personajes y a los que les gustan las obras de trama. Yo soy de los primeros y por eso estoy encantado con el final de Perdidos; sí, soy de esos pocos. Tras este final de hoy ya sé porque me ha gustado tanto la serie, porque no me ha defraudado su final: Yo soy un personaje de perdidos. 

Yo, al igual que perdidos, al igual que en la vida, no tengo todas las respuestas, cada respuesta nos lleva a una nueva pregunta. Nuestra vida es el camino, no el final, Perdidos es el camino no es el final. Y en ese final, como les ha pasado a los protagonistas, nos siguen quedando preguntas, nos siguen faltando respuestas.

He descubierto a la vez que ellos cada una de las cosas que les han ido pasando en la isla; sabemos exactamente lo mismo que Jack, Kate o Sawyer. Me asusté la primera vez que vi al humo negro como ellos, me pregunté que hacía un oso polar en mitad de una isla tropical, quién eran esos que intentaban controlar sus vidas. Y el final ha sido así: no sé ni más ni menos que lo que los personajes saben. Esta no es una serie en la que ves desde fuera lo que le pasa a un puñado de personas que se han visto envueltos en una serie de circunstancias; no, en esta serie yo soy el personaje y me veo en las circunstancias, porque ¿quién no ha tenido una Penny? ¿Quien no se ha llevado mal con su padre como Jack? ¿Quién no se ha sentido el más desgraciado como Hugo? ¿quien no ha intentado borrar una parte de su pasado como Sayd? ¿Quien no ha intentando reinventarse mil veces como Sawyer? ¿Quién no se ha dado cuenta de lo que realmente vale lo que tiene al lado como Sun?..etc.

Que más da que pase antes, durante o después si lo que importa en la vida son las vivencias y los recuerdos que te queda a la hora de morir? No importa nada que todos estén muertos ¿Cual otra forma tiene de terminar la vida? Al final tarde o temprano todos debemos morir, si no es por viejos, es por asesinato, enfermedad o cualquier otro motivo… La isla es el medio, la forma que tiene la gente de resolver sus conflictos, el lugar para redimirse antes de pasar a otro lugar/tiempo, donde quiera que vamos después de la muerte. Lo que allí sucede no tiene por qué regirse por las reglas de nuestra ciencia conocida, por nuestra lógica de todos los días…la esencia si se mantiene intacta de principio a fin, averigua cual es tu destino.

No todos estaban muertos. Lo han ido haciendo por el camino. Todos van muriendo, y a medida que mueren, se cruzan en el universo de las personas como de verdad son, sin los avatares de una vida que nos pone a prueba: de una forma más o menos paralela a como vivieron, han sido capaces de desprenderse de sus demonios y, así, han tenido la vida que hubiesen querido.

La vida es así, cada uno elije su camino. No tiene porque ser bueno, malo o regular. No existe una única forma de elegir o de hacer las cosas. Por eso hay momentos en la serie en los que no se sabe quien es “el bueno” o “el malo” simplemente porque la bondad o maldad absoluta es imposible de conseguir. Un mismo hecho, como es la muerte de Locke por Ben puede verse desde el punto de vista de la bondad absoluta o de la maldad. Dependiendo de como quieras verlo. Le hacia un favor matándolo y terminando su sufrimiento. Al fin y al cabo iba a morir de todas formas. O por el contrario estaba cometiendo un asesinato.

Pero nada es perfecto. Evidentemente, la construcción de esa fantasía que es el "purgatorio" toma inevitablemente formas y defectos de su pasado. Lo que allí sucede no tiene por qué regirse por las reglas de nuestra ciencia conocida, por nuestra lógica de todos los días…la esencia si se mantiene intacta de principio a fin de toda la serie, averigua cual es tu destino. Y eso lo hemos hecho todos a la vez, no nos han engañado, hemos descubierto el destino a la vez que ellos. Y nos quedan muchas preguntas, nos faltan muchas respuestas, pero el destino lo hemos alcanzado, lo que vale la pena, y en ese último ojo sonriente de Jack está la explicación, está conseguido.

Entiendo a los que hayan salido defraudados de este final. Es como decepcionarse viendo Ciudadano Kane al saber que toda esa maravillosa historia ha sido detonada por un simple trineo. La Isla es un símbolo. Es más: la Isla es pura metáfora del aislamiento, que es el tema principal de la serie. Jacob dice que los eligió porque estaban solos, porque sus vidas no iba a ninguna parte. No han respondido a muchas preguntas de cosas materiales que han pasado, después de seguir una zanahoria no se ha dado, pero el burro, nosotros, ellos si que hemos llegado al final del camino. Pero ahí estaba el problema, quién necesitase esas respuestas es que no ha logrado entender el proceso.  Hay que dar a vuelta a la silla y mirar hacia atrás, ver la evolución, la transformación, el cambio de los personajes; ver como han reaccionado, como han pensado, como han sentido en cada fase de la serie, ver como han crecido, así hemos crecido con ellos, así hemos acabado con ellos. Eso es una gran serie, una gran película, un gran libro. Un viaje por las personas como tú y como yo, con la excusa de la ciencia ficción, o el romance o la intriga, o el drama, el misterio, y eso en Lost lo hemos tenido y muy bien narrado. Lost ha marcado un antes y un después en la manera de contar las cosas, no en que se cuenta.
Quién haya leído la historia interminable y la haya comprendido, o haya visto la fuente de la vida y la haya entendido sabrá de qué hablo...

Yo he sido un personaje de perdidos

Revolución

Me he topado con el siguiente relato del escritor polaco Slawomir Mrozek titulado Revolución, que es sencillamete genial. Buscando un poco más de información veo que ha sido llevado al terreno del cortometraje por Martín Rosete, y que está protagonizado por el carismático actor Miguel Rellán. Simplemente geniales los dos, relato y adaptación.

En mi habitación la cama estaba aquí, el armario allá y en medio la mesa. Hasta que esto me aburrió. Puse entonces la cama allá y el armario aquí. Durante un tiempo me sentí animado por la novedad. Pero el aburrimiento acabó por volver. Llegué a la conclusión de que el origen del aburrimiento era la mesa, o mejor dicho, su situación central e inmutable. Trasladé la mesa allá y la cama en medio. El resultado fue inconformista. La novedad volvió a animarme, y mientras duró me conformé con la incomodidad inconformista que había causado. Pues sucedió que no podía dormir con la cara vuelta a la pared, lo que siempre había sido mi posición preferida. Pero al cabo de cierto tiempo, la novedad dejó de ser tal y no quedó más que la incomodidad. Así que puse la cama aquí y el armario en medio. Esta vez el cambio fue radical. Ya que un armario en medio de una habitación es más que inconformista. Es vanguardista. Pero al cabo de cierto tiempo… Ah, si no fuera por “ese cierto tiempo”. Para ser breve, el armario en medio también dejó de parecerme algo nuevo y extraordinario. Era necesario llevar a cabo una ruptura, tomar una decisión terminante. Si dentro de unos límites determinados no es posible ningún cambio verdadero, entonces hay que traspasar dichos límites. Cuando el inconformismo no es suficiente, cuando la vanguardia es ineficaz, hay que hacer una revolución. Decidí dormir en el armario. Cualquiera que haya intentado dormir en un armario, de pie, sabrá que semejante incomodidad no permite dormir en absoluto, por no hablar de la hinchazón de pies y de los dolores de columna. Sí, esa era la decisión correcta. Un éxito, una victoria total. Ya que esta vez, “cierto tiempo” también se mostró impotente. Al cabo de cierto tiempo, pues, no sólo no llegué a acostumbrarme al cambio -es decir, el cambio seguía siendo un cambio-, sino que al contrario, cada vez era más consciente de ese cambio, pues el dolor aumentaba a medida que pasaba el tiempo. De modo que todo habría ido perfectamente a no ser por mi capacidad de resistencia física, que resultó tener sus límites. Una noche no aguanté más. Salí del armario y me metí en la cama. Dormí tres días y tres noches de un tirón. Después puse el armario junto a la pared y la mesa en medio, porque el armario en medio me molestaba. Ahora la cama está de nuevo aquí, el armario allá y la mesa en medio. Y cuando me consume el aburrimiento, recuerdo los tiempos en que fui revolucionario...

¿Quizás que todas las revoluciones al final llevan al mismo sitio?

El primer video conservado de la Semana Santa de Sevilla 1898

Ya estamos en plena Semana Santa, y como todos sabemos una de las más famosas de todo el mundo es la Semana Santa sevillana; todos los años miles de personas van a ver la que está considerada como la mejor de España. Esta fama fue la que atrajo a los hermanos Lumière a finales del S.XIX a la capital andaluza para hacer una de sus primeras grabaciones en España. La primera grabación exhibida que hicieron los hermanos Lumiere fue el 28 de marzo de 1895 y este vido de la Semana Santa en Sevilla es de 1898 por lo que podemos ver la gran fama mundial que tenía por entonces.

El video corresponde a la procesión del Cristo de las Penas de la Hermandad de la Estrella de Sevilla. Me encanta el video por lo castizo del personal y me gustaría saber si sigue siendo así la procesión o ha cambiado el paso, los ropajes, las músicas..etc ya que mi desconocimiento en este tema es total.. La imagen del policía apartando a los niños es impagable.

Este video está sacado de la biblioteca digital mundial. Es un espectacular fondo on-line. La biblioteca, pretende a ser el almacén del saber del mundo ya que ahora el acceso a todo el contenido se hace on-line y hay que llevar las bibliotecas a las casa.. Una tarea ardua sin duda.

Los cortometraje de animacion de los Oscar

Hace unas semanas hablaba de los cortos de animación candidatos para los Goya de este año. El ganador fue finalmente  La dama y la muerte.

Este próximo domingo 7 de Marzo se entregan los Oscar 2010 y las candidatas a mejor película son Avatar En tierra hostil Malditos bastardos Precious Up in the Air An education Un  tipo serio Distrito 9 The blind side y UP

Este año solo he visto 4 de las nominadas y apuesto por En tierra hostil para mejor película, Precious para guión original y Avatar para arrasar en las categorías técnicas. Up creo que se llevará el de animación sin discusión.

En el terreno de los cortos de animación, posiblemente sea uno de los años más competidos, aunque parte según las encuestas A Matter of Loaf and Death, de los archifamosos Wallace and Gormit.

Los candidatos son French Roast, Granny O'Grimm's Sleeping Beauty, A Matter of Loaf and Death, Logorama y el español La dama y la muerte.

A Matter of Loaf and Death

Este es el favorito en todas las quinielas, respaldados por sus trabajos anteriores de Wallace and Gormit.

Granny O'Grimm's Sleeping Beauty

Mi favorito. Cortometraje irlandés, con mezcla de animación 3D y animación tradicional

La dama y la muerte

Este es el competidor español que ya lo pudimos ver en las nominaciones para los Goya.

French Roast

Historia de un restaurante francés y sus peculiares clientes. Ha recibido multitud de premios en Europa y se presenta segundo en las quinielas.

Logorama

Como su propio nombre da a entender cuenta la historia de los diversos logotipos y marcas que nos rodean en el día a día. Factura francesa.

¿Cuál es vuestro favorito?

La última aparición pública de Groucho Marx, 1973

No necesita presentación y posiblemente sea uno de los iconos más emblemáticos del S.XX.

D. Julius Henry Marx, por todo el mundo conocido como Groucho Marx.

El otro día comentaba con un amigo que hace mucho tiempo que en alguna cadena de televisión no dan películas de cine mudo. Recordábamos los dos como uno de nuestros primeros recuerdos de la televisión, allá por mediados-finales de los ochenta, son las películas mudas; las de Charlot, las de Buster Keaton y de otros muchos actores y directores de los que no recordábamos los nombres. Los sábados o domingos por la tarde, en la sobremesa, no recordamos bien cual de los dos días eran, siempre había una película de cine mudo, y la mayoría de humor, quizás por eso las recordemos con tanto cariño.  Y si no había película de cine mudo había película de los hermanos Marx, mis favoritos; Un día en las carreras, Una noche en la ópera, Una tarde en el circo, Sopa de Ganso... son títulos que he aprendido mucho después, pero que en mis retinas siguen estando las imágenes de las primeras veces que las vi. Seguramente me digáis que no las daban tantas veces, pero quizás no recuerde ninguna de las otras películas que vi en aquella época.

Groucho Marx como comentaba antes se ha convertido en todo un icono del S.XX. y con toda seguridad no tanto por las películas con sus hermanos o en solitario, como por su estética, su enorme puro, sus gafas, sus andares, su eterno smoking... pero sobretodo por sus archifamosas citas. ¿Quién no ha usado nunca alguna de sus frases? ¿Quien no ha dicho alguna vez una de las que nos han llegado por tantos sitios?, 

Y ese es el legado más grande que dejó Groucho, un inmenso despliegue de ingenio, humor, sátira, ironía, sabiduría..etc. En el siguiente video podemos ver la última actuación pública suya. Fue en el show de Bill Cosby en 1973, cuatro años antes de fallecer. Podemos ver que aún ese despliegue de humor suyo tan característico.

En los años 50, una vez separados los hermanos Marx, cada uno continuó con su carrera en solitario. Groucho inició su andadura en la televisión con el programa Apueste su vida, con el que consiguió acrecentar su fama, sobretodo entre las nuevas generaciones que no pudieron verlo en el teatro y que desconocían sus películas.